RESIDENCIAS
SONÓMETRO
360º
La Escuela de Arquitectura Aural presenta el programa de Residencias Sonómetro 360º
El programa propone una plataforma de experimentación artística dedicada a la espacialización sonora y la escucha espacial mediante un sistema de sonido en 360º. Se buscan artistas que puedan desarrollar un proceso creativo de un mes de duración para la creación de piezas en 3er orden Ambisonics, capaces de gatillar sensaciones espaciales que se traducen en arquitectura aural.
En este proceso, se concibe el sonido fundamentalmente desde sus cualidades arquitectónicas. El sonido se presenta como un objeto dotado de volumen, densidad y partículas, cuyas propiedades pueden ser manipuladas mediante el diseño sonoro. Estos objetos se sitúan en un espacio virtual infinito, donde pueden desplegar trayectorias específicas, comportamientos definidos o aleatorios. El sonido puede acercarse de manera íntima o situarse en un horizonte lejano. Al mismo tiempo, los entornos virtuales responden a la presencia del sonido mediante reflexiones acústicas que recrean desde recintos estrechos hasta arquitecturas monumentales o incluso espacios geográficos. Estos entornos pueden simular espacios existentes o adoptar formas surrealistas, generando texturas y gestos que evocan la imaginación más allá de lo físicamente posible.
En esta primera edición, la propuesta curatorial de Residencias Sonómetro 360º aborda las ecologías audibles como temática central, donde conflictos ambientales, tecnología y relaciones multiespecies no solo transforman el territorio material, sino también su organización acústica y espacial. La arquitectura aural permite traducir estas tensiones en experiencias espaciales inmersivas, donde la escucha se convierte en una herramienta crítica para percibir aquello que permanece fuera del campo visual. La arquitectura aural deviene método; las ecologías audibles, el campo crítico de investigación.
¿Puede el sonido espacial entregarnos información sobre las relaciones que existen entre cuerpos, territorios y tecnologías?
En un presente donde el límite entre lo natural y lo tecnológico cada vez es más difuso, las ecologías audibles permiten comprender las tensiones que configuran nuestra realidad contemporánea. Lo audible emerge de ensamblajes híbridos donde aparecen nuevos modos de concebir críticamente esa zona de fusión como territorio político y ecológico. Un paisaje sonoro puede develar contaminación, desaparición de especies, urbanización, infraestructuras digitales, máquinas o formas de convivencia entre humanos y no-humanos. El sonido aparece como una herramienta que explora y recopila las transformaciones del territorio y las relaciones ecológicas, mientras la escucha surge como interpretación crítica para generar narrativas que cuestionen las percepciones antropocéntricas del sonido, capaces de develar realidades que no necesariamente son visibles, pero si audibles.
Dentro de este marco, se convoca a artistas, músicxs, arquitectxs, ingenierxs en sonido e investigadores a crear espacios y/o entornos a partir del diseño sonoro espacial, que puedan evocar situaciones de denuncia y/o resistencia frente a las transformaciones materiales y climáticas por las que transitamos en la era del antropoceno.
Sobre Sonómetro
Sonómetro es un espacio de escucha inmersiva que se ubica en Plataforma Cultural del Campus Juan Gómez Millas de la Universidad de Chile. Es una esfera de 5 metros de diámetro, construida en base a una estructura geodésica y recubierta en PVC. En su ecuador sostiene una malla para los oyentes, donde pueden experimentar un sonido envolvente. El sistema de sonido 16.1 está dispuesto en 3 anillos concéntricos de 15 altavoces perimetrales y 1 altavoz central onmidireccional, junto con un subwoofer en su base. La espacialización sonora opera mediante codificación y decodificación Ambisonics en 3er orden (HOA), gestionada desde un entorno de producción Reaper con plugins IEM.
REQUERIMIENTOS
Se busca artistas que quieran participar de un proceso de creación de piezas sonoras de 20-30 minutos de duración en 3er orden Ambisonics, inéditas o adaptadas, que dialoguen y pongan en relevancia la temática de la residencia sobre ecologías audibles; sonidos que revelan las relaciones ecológicas del antropoceno.
1. Se solicita que los artistas seleccionados hagan una breve presentación de su trabajo y del proyecto a desarrollar durante la jornada de bienvenida que se realizará como parte del primer encuentro de residentes. Esta actividad se plantea también como una instancia que pueda dar inicio al proceso de residencia.
2. Los residentes deben contar con disponibilidad de mínimo 20 horas semanales durante el mes de residencia para desarrollar su proceso de creación sonora.
3. Se requiere que los residentes cuenten con notebook o computador personal, e instalar al inicio de la residencia el software Reaper, con el Plug-in IEM Ambisonics para el trabajo personal fuera de Sonómetro.
Software Reaper: https://www.reaper.fm/download.php
Plug-in Ambisonics: https://plugins.iem.at/
QUÉ OFRECEMOS
1. Desarrollo de un proceso de experimentación sonora y creación dentro de Sonómetro con 6 horas de trabajo a la semana dividido en 2 módulos de 3 horas cada uno.
2. Uno de estos módulos de trabajo será de acompañamiento mediante mentorías formativas de 3 horas a la semana donde se enseñará al residente a usar el sistema de audio 360 y se brindará apoyo en el proceso creativo.
3. En colaboración con el AcusmaLab se crearán encuentros semanales en el laboratorio con los residentes para generar una instancia colectiva donde se puedan mostrar los avances, compartir experiencias y entregar feedback. Estos encuentros estarán liderados por el director del AcusmaLab Federico Schumacher.
4. $100.000 CLP (bruto) en concepto de honorarios (Se requiere una boleta de honorario o factura por el total).
5. Presentación de la pieza sonora en el Sonómetro, durante diciembre 2026-enero 2027, como parte de la programación del III Festival de Arquitectura y Escucha: Espacios Resonantes.
6. Difusión en redes sociales y web del Instituto TECNO-AURAL y del III Festival Espacios Resonantes.
*El alojamiento, traslados, comidas y gastos extra durante el periodo de residencia corren por parte del artista, así como el traslado a Santiago de artistas que vivan fuera de la ciudad.
INVITACIÓN
La Escuela de Arquitectura Aural invita a artistas, compositores, arquitectxs, ingenierxs en sonido, diseñadores sonoros e investigadores chilenxs y extranjerxs, a participar de una residencia de un mes de duración en la ciudad de Santiago de Chile para la creación de una pieza sonora espacializada. Los resultados de residencia se presentarán en una sesión de escucha que será parte de la programación del III Festival Espacios Resonantes a realizarse en diciembre-enero 2026. Se seleccionarán un total de 3 residentes.
Recepción de postulaciones: desde el 4 de mayo al 10 de junio de 2026
Anuncio de resultados: 20 de junio de 2026
Periodo de residencia: del 3 al 31 de agosto de 2026
Presentación resultados: diciembre 2026–enero 2027 (fecha exacta por confirmar)
RESIDENTES
Darla Quintana
Compositora y productora de música electrónica con base en Santiago de Chile.
Entre 2022 y 2024 centró su trabajo en la creación y performance de música producida exclusivamente con tecnología análoga. En 2025 lanzó su primer disco, Figuras de Contacto, un trabajo que une elementos minimalistas, de ambient y de club.
Ese mismo año realizó una residencia artística en Berlín a través del Goethe-Institut Chile, donde inició una nueva etapa de exploración sonora y visual con medios digitales. Durante esa residencia produjo su segundo álbum, Millimeter/Submillimeter, compuesto íntegramente a partir de sonidos provenientes del espacio exterior, recopilados por el observatorio ALMA y transformados mediante procesos de sonificación de datos.
El disco transita entre la música ambiental, contemporánea y electrónica orientada al club. En los últimos años, Darla se ha dedicado también a la educación, impartiendo talleres de sonido y escucha a infancias y adultos.
PROPUESTA DE RESIDENCIA
Título tentativo: Pulsión
La propuesta de Darla Quintana parte de una idea planteada en El monstruo como condición humana, de Adriano Messias: el Antropoceno no comienza con la Revolución Industrial ni con la bomba atómica, sino con nosotros. Desde esta perspectiva, la pulsión destructiva no aparece como un desvío, sino como una condición constitutiva de la especie. Cada capa de civilización es también una capa de violencia sobre la anterior, y el colapso no se presenta como una amenaza futura, sino como una tendencia que siempre estuvo ahí.
A partir de esta premisa, Pulsión se plantea como una pieza sonora de 20 a 30 minutos para el sistema 360º de Sonómetro. La artista no busca describir el colapso ni ilustrarlo narrativamente, sino construir un campo sonoro donde esa condición inestable pueda ser escuchada sin necesidad de ser explicada.
La pieza trabajará con tres capas del paisaje sonoro: geofonía, biofonía y antropofonía. Estas capas no se organizarán de manera jerárquica ni seguirán una progresión cronológica. No se trata de un mundo humano que se desintegra para dar paso a otro, sino de capas que coexisten, se superponen, se interrumpen y modifican su peso relativo. La escucha no recibirá una historia lineal, sino un estado: algo que se reconoce sin poder nombrarse del todo.
El espacio esférico de Sonómetro será entendido no solo como soporte técnico, sino como parte central del argumento de la obra. Un cuerpo suspendido en el centro de un campo sonoro sin orientación fija ya constituye, para la artista, una situación crítica. Durante la residencia, Darla trabajará la espacialización en 3er orden Ambisonics para desestabilizar activamente la orientación del oyente: que lo que suena como viento pueda provenir del suelo, o que lo que suena como máquina llegue desde arriba.Esta desorientación espacial no busca confundir gratuitamente, sino proponer una postura frente al mundo que la pieza evoca. Un mundo donde las fuerzas geológicas, biológicas y tecnológicas ya no están organizadas en torno a un centro humano no tiene una dirección clara. Por lo tanto, la escucha tampoco debería tenerla.
El material sonoro partirá de grabaciones de campo, archivos sonoros bioacústicos, registros tecnológicos y diseños sonoros realizados en Ableton Live. Estos materiales serán procesados hasta perder su reconocibilidad de origen. La obra no buscará presentar fuentes identificables, sino texturas que cargan una historia sin contarla.
La artista vincula esta aproximación con la noción de hiperobjeto de Timothy Morton: algo que se percibe sin poder abarcarse del todo, que excede al oyente sin soltarlo.
El objetivo de la pieza es que una persona pueda entrar a Sonómetro sin saber nada previamente y salir con la sensación de haber escuchado algo que todavía no tiene nombre. En palabras de la propuesta, el arte sonoro no tendría que explicar el mundo, sino hacerlo aparecer por medio de la escucha profunda.
Danilo Dawson
Compositor y pianista.
Actualmente es Magíster (c) en Creación Musical, Nuevas Tecnologías y Artes Tradicionales por la Universidad Nacional de Tres de Febrero, UNTREF, Argentina.
Su formación incluye estudios con destacados maestros como Guillermo Rifo, Javier Farías, Paulina Zamora, David Cortés, Julieta Szewach y Alejandro Iglesias Rossi, Grand Prix de Argentina.
En 2023 fue galardonado con el Premio Nacional de Composición Vicente Bianchi. Es miembro de la Asociación Nacional de Compositores, ANC.
Su trabajo actual se enfoca en la integración de instrumentos precolombinos con tecnologías MPE a través de Ableton Push 3. Ha sido seleccionado para participar en el New York City Electroacoustic Music Festival, NYCEMF 2026.
Actualmente desarrolla proyectos de colaboración internacional con artistas de Japón y Argentina, enfocados en la creación de obras multimedia.
PROPUESTA DE RESIDENCIA
La propuesta de Danilo Dawson plantea el desarrollo de una composición musical electroacústica enfocada en la espacialización de gestos sonoros ejecutados mediante tecnología MPE, utilizando Push 3, y control MIDI, a través de CK61.
El proyecto trabajará con samples de instrumentos precolombinos de arcilla reconstruidos, correspondientes aproximadamente al periodo 700 a.C. – 1500 a.C., junto con materiales de síntesis sonora generados desde CK61.
La obra se plantea como una composición para cinta e interpretación en vivo mediante Push 3 y CK61. Su estructura se organizará en tres estados texturales: telúrico, aluvial y etéreo.
Durante la interpretación, la presión y el gesto táctil controlarán samplers y efectos espacializados en 360º mediante tecnología MPE en tiempo real. Estos gestos interactuarán con loops previamente fijados en un set de Ableton Live.
El proyecto busca explorar la relación entre acústica ancestral y arquitectura espacial contemporánea, poniendo en diálogo materialidades sonoras vinculadas a instrumentos precolombinos con tecnologías actuales de interpretación, procesamiento y espacialización inmersiva.
Desde esta perspectiva, la residencia permitirá investigar cómo los gestos táctiles, las capas electroacústicas y los materiales sonoros de origen ancestral pueden desplegarse en el espacio 360º de Sonómetro, generando una experiencia sonora que articule memoria, tecnología, cuerpo y arquitectura aural.
Natan Ide
Compositor, guitarrista eléctrico, ingeniero e investigador.Es Magíster en Acústica y Vibraciones y Magíster en Artes, mención Música. Actualmente cursa el Doctorado en Artes, mención Música, en la Pontificia Universidad Católica de Chile, y se desempeña como académico en la Universidad Austral de Chile, en Valdivia.
Su trabajo se sitúa en el cruce entre música, tecnología, escucha, performance e investigación-creación, con especial interés en la espacialización sonora, el gesto, la percepción y la relación entre sonido, cuerpo y espacio.
Ha desarrollado proyectos que integran guitarra eléctrica, tecnologías aplicadas a la performance, audio inmersivo, registro de campo y exploración interdisciplinaria, articulando práctica artística, escucha situada y reflexión crítica.
PROPUESTA DE RESIDENCIA
La propuesta de Natán Ide plantea una exploración sonora espacial a partir de las nociones de alta fidelidad y baja fidelidad desarrolladas por R. Murray Schafer.
En su conceptualización del paisaje sonoro, Schafer entiende los entornos de alta fidelidad como aquellos en los que los sonidos pueden distinguirse con claridad, debido a la presencia de silencio relativo, distancia y separación entre eventos. En contraste, los paisajes de baja fidelidad se caracterizan por el enmascaramiento, la acumulación y la pérdida de definición entre las fuentes sonoras.
La propuesta toma estas categorías no como descripciones literales de paisajes existentes, sino como principios compositivos para imaginar una arquitectura aural ficticia, donde la escucha permita experimentar transformaciones del territorio, del cuerpo y de la tecnología.
Desde esta perspectiva, la obra no busca recrear un paisaje natural ni oponer de manera simple naturaleza y ciudad. Más bien, propone construir un entorno sonoro especulativo donde la alta y la baja fidelidad funcionen como estados de escucha en tensión.
La alta fidelidad será abordada como una condición espacial en la que los sonidos tónicos, las marcas sonoras y los objetos sonoros puedan emerger con nitidez, permitiendo percibir trayectorias, distancias, capas y relaciones materiales.
La baja fidelidad, en cambio, será trabajada como un proceso de saturación progresiva, donde los sonidos se superponen, se contaminan, se funden o se vuelven parcialmente irreconocibles.
La pieza trabajará con grabaciones de campo manipuladas, síntesis sonora y procesos de transformación tímbrica para crear sonidos tónicos y marcas sonoras no necesariamente asociables a una fuente reconocible. Estos materiales podrán tener rasgos análogos a lo biofónico, geofónico, antropofónico o tecnológico, pero no funcionarán como documentos del mundo real, sino como abstracciones de sus comportamientos.
La pregunta central de su propuesta será qué cualidades permiten percibir un sonido como orgánico, territorial, maquínico, artificial, invasivo o humano, y cómo esas cualidades cambian al ser desplazadas dentro de un espacio inmersivo.
La obra explorará procesos de fragmentación espectral, entendidos como la posibilidad de descomponer un sonido en regiones, bandas o componentes de frecuencia que puedan ser tratados como partículas independientes dentro del espacio.
Esta operación dialoga con técnicas de difusión espectral en música electroacústica multicanal, donde el espectro puede dividirse y distribuirse entre distintos canales, generando una materia sonora expandida, dispersa o envolvente.Mediante espacialización Ambisonics, estos fragmentos podrán separarse, desplazarse, acercarse, alejarse o recombinarse, como piezas de un cuerpo sonoro desintegrado que flota en el espacio.
Más que presentar el sonido como una unidad estable, la obra buscará mostrarlo como una materia móvil y desmontable, capaz de perder su identidad inicial para convertirse en arquitectura, trayectoria, densidad o residuo.
APERTURA DE PROCESO
